『ブレードランナー2049』の絶望的考察

映像鑑賞
11 /09 2017
改めて『ブレードランナー2049』の考察を試みる。
(ネタばれ注意)
この映画を見る前、想像していたのは新たな主人公Kがアメリカンヒーロー的な勧善懲悪バトルで薄っぺらな「正義」を行使するありきたりなハリウッド映画になることを危惧していた。
大抵の名作続編は興業を優先し、陳腐化するのが常であったから、こんな予想も的外れではない。
だが、実際の出来は、『ブレードランナー』の世界観を忠実に継承し、まるで欧州映画のような悲哀溢れる映像美を追求した作品に仕上がっていた。
どうしてこんなことが現在のハリウッドで作ることが可能だったのか、それが最大の謎に感じた。
もっとも数多の米映画をすべて視聴すれば、そのような作品も何割かは常に作られているのかもしれない。
だがハリソンフォード級の俳優を擁し、世界的大規模興業を展開する超A級映画で、このような類の作品は極めて稀有に感じる。

『ブレードランナー2049』のハリウッド映画らしからぬ造りはどこから来ているのかと考えると、そのスタッフの国籍などから垣間見れる。
すなわち、製作総指揮リドリー・スコットは英国人。監督ドゥニ・ヴィルヌーヴ、主役ライアン・トーマス・ゴズリングは共にカナダ人。仮想現実恋人ジョイ役・アナ・デ・アルマスはキューバ人。撮影拠点はブタペスト。スポンサーはSONY等。
『ブレードランナー』にヨーロッパやアジア映画の哀愁の血が漂っているのは、こういった理由が一因なのかも知れぬ。
しかし今時、インターナショナルなスタッフ陣は珍しいことではない。

「大義のための死は最も崇高である」というような主人公の描き方も、今の商業娯楽映画として成立しがたい。
自己犠牲というのは敗北必至の者が死を前提とした、いわいる「玉砕」であって、圧倒的な常勝が求められるアメリカンヒーロー像からは余りにもかけ離れている。
クライマックスに主人公Kはデッカードを娘に会わせるために自己犠牲的闘争を展開する。
その結末もあっさりとした静かな「死」だ。爽快感はどこにもない。

『ブレードランナー2049』のラストシーンを観て起想したのは、星野之宣の漫画『残像』である。
これもまた悲哀溢れるSF作品だ。
契約結婚でもう遠い過去の存在でしかなかった元妻が産んだ自分の子供との出会いや、キーワードとなるトーシューズ等が『ブレードランナー2049』設定とだぶる。
だがこの漫画はオリジナルの『ブレードランナー』が公開された1982年よりも更に過去に描かれていた。
時代感覚的には1970年代のテイストだ。

重ねて『ブレードランナー2049』には何となく、前作の特殊効果を務めたダグラス・トランブルが監督した『サイレントランニング』の匂いもする。これも1971年製作の映画。
勧善懲悪ではない自己犠牲的な主人公を描いていた点では『ブレードランナー2049』と非常に似通っているが、当然ながら興業的には失敗作だった。

製作スポンサーも奇異だ。
いまや圧倒的な中国企業群の台頭により、その勢いそのままならばハリウッド映画の冠企業はハーウェイ辺りになってもおかしくないところだ。
だがもはや風前の灯であるはずの日本家電企業の代表格であるSONYが、まるで1980年代そのままに『ブレードランナー2049』メインスポンサーとして名を轟かせている点もまた「自己犠牲の崇高な死」を思い起こさせる。
最後の灯火で有終の美を飾らんとしているかのごとく。

また『ブレードランナー2049』の主人公Kを巡る4人の女たちの描き方も同様に古典的だ。
すなわち、ウォレスに忠実な部下ラヴ
バーチャル愛人ジョイ
娼婦の女
上司のジョシ警部補
彼女たちはそれぞれの立場で主人公Kに対して「愛」を実践する。
それ故にジョイは娼婦に、娼婦はジョイに、ラヴはジョシとジョイに嫉妬し、激しく闘争する物語でもある。
しかしある意味、彼女たちは「自立」していないのだ。
皆、保守的で前時代的な「男に依存する自己犠牲的な女」の姿を描いている。
この2017年にはどう考えても流行らない「女性に嫌われる女」ばかりだ。

ようするに『ブレードランナー2049』は何もかも時代の潮流からかけ離れた存在なのだ。
そう、この作品はもう戻っては来ない1970年代の「望郷」しかない。
作品自体がディストピアなのだ。
「滅び」を描いているのではなく、映画自体が「絶滅と廃墟」そのものなのだ。
SONY、依存する女、自己犠牲の玉砕肯定、大義のための死・・。
これらすべてに未来はない。
あるのは「滅びの美学」だけだ。
寿命の限られた生殖機能のないレプリカントは「滅びの美学」そのものの具現化だ。
観客は「移植された1970年代の記憶」に浸るだけで、それは単なる虚像でしかない。
孤児院の孤児のごとく、打ち捨てられた過去の残滓から「美しい思い出」だけを採取する「労働」に課せられる映画だ。
その「労働」に喜びを感じられる者だけが2時間45分の「滅びの美学」を享受出来る。

ではなぜそんなネガティブスピリット全開な作品をハリウッド映画というメジャー興業で表現出来るのか?

理由はただひとつ。
それが『ブレードランナー』だからだ。

『ブレードランナー2049』を観る

映像鑑賞
10 /27 2017
『ブレードランナー2049』を観る。
前作の『ブレードランナー』公開は、今から35年前の1982年だった。
大学を卒業してから、まだ1年。丁度、徳間書店の月刊誌「リュウ」でプロデビューした年だった。
年齢にして22歳か。最も感受性が強い頃。
当時、『ブレードランナー』に触発されたマンガを1984年「ブリッコDX」に描いた記憶があったので書庫を発掘。
30年以上前の本だから黄ばんでるけど、改めて眺めると『ブレードランナー』が当時の己の琴線に触れた作品だったということが解る。
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1970年代から80年代半ばにかけて観賞したSF作品はどれも卓越している。
『2001年宇宙の旅』、『時計仕掛けのオレンジ』、『惑星ソラリス』、『スターウォーズ』、『謎の円盤UFO』、『サイレントランニング』、『猿の惑星』、『スタートレック』等々。
同世代でこれらの作品群に影響を受けなかった者は居まい。
原作がSF界の巨匠、アーサー・C・クラーク、スタニフワフ・レム、そして監督がスタンリー・キューブリック、アンドレイ・タルコフスキー等の独特な映像美で撮られた作品群は青春期の脳裏に深く刻まれた。
その後、これらの続編やリメーク版がいくつか作られたが、オリジナルを超えるものは未だ記憶にない。
己の年齢的なものもあるのだろうが、1980年代後半以降の、いわいるSF映画には、それ以前に観た作品が持っていた斬新的未来観が欠けている。
どことなく、近視眼的で設定、ストーリー、小道具含め、陳腐になった。
全体的に独創性が貧困で、別にSFとして描く必然性がない作品ばかりになった。
おそらくアポロ計画月着陸をピークとして、1970年初頭のオイルショック以降、サイエンスに対する楽観的希望が失速してSF自体に飛躍的空想力を求められなくなったのが原因なのかもしれない。
21世紀になっても月に人類は居住せず、火星にも行かず、車は空を飛ばず、原子力は厄介者扱いされ、スペースシャトルすら退役してしまい、世界連邦等など欠片もない陳腐な「未来」が来てしまった。
そこにはもうSFが生き残る場所などない。
SFが予言した「未来」は来なかったし、これからの時代はもっと「非SF」的な世界になっていくだろう。
そんな21世紀になっても『猿の惑星』や『スターウォーズ』は続編が作り続けられている。
結局、1970年代後半にオリジナルが制作された老舗SFをリメークしつづける以外に「SF」映画が生き残る道がないのかもしれぬ。
そんな、状況下、ついに『ブレードランナー』も続編が作られることに至った。
動画サイトには公式の前日譚が3本アップされている。




本編『ブレードランナー2049』を観にいったのは封切初日の27日、それも朝9時からの初回上映である。
(これ以降の文章には「ネタばれ」ほどではないですが、ストーリーに関わる内容も含まれていますので未観賞の方は御注意ください)
前売りも事前に購入。特典付き。
前売り購入時、チラシはまだ映画館にたくさんあった。
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チケット代は35年前と200円しか変わらない。その第一作のチケット半券は今でも手元にある。
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独りじっくり腰をすえて観たい作品は久しぶり。
続編の賛否は別として「ブレードランナー」にはもう甦ることのない二十代に観た老舗SFの残滓がある。
日本での公開がやや遅いため、うっかりするとネット上で「ネタばれ」記事に遭遇してしまう危惧があったが、幸いなことに「地雷」を踏むことなく、映画鑑賞に挑むことが出来た。
場所は新宿バルト9。
流石に平日の午前中とあって、客の入りは3割程度か。
詳細なストーリに関しては触れないが、3時間にも及ぶ上映時間にも拘わらず、最初から最後まで刮目して観賞することが出来た。制作総指揮がオリジナル時の監督、リドリースコットが担当しているので、世界観は完全に継承されていた。
正直、大筋ストーリー自体はありがちな設定で、序盤から主人公の正体、生い立ちなどが垣間見れてしまう(無論、そう単純な話ではないが)シンプルな展開。
だがそんなことは問題ではない。
『ブレードランナー』のアイデンティティーである退廃的な都市風景、延々と続く廃屋、廃墟、唐突な日本語表示、ディストピア感漂う雑踏に小汚い群集。更に凝りに凝った探査装置のギミックの心地よさ等がこれでもかこれでもかと描かれている。
更にバンゲリスを踏襲したBGMが作品全体を包む。
これはストーリーを追う作品ではない。『ブレードランナー』という世紀末的廃墟を探索し、陶酔する映画なのだ。
だからそんな世界観が好きな人間にとっては3時間どころか1日中観ていても飽きないだろう。
(自分ももし入れ替え制でなければ、もう一回観ていたはず。リピーター続出な作品になることは想像に難くない)。
逆にこの世界観を受け入れられない者にとっては30分にも満たない時点で寝てしまうかもしれない。
要するに前作同様、人を選ぶ映画だ。
続編は大抵、前作を越えられないし、一般受けを狙って陳腐化するのが常であるが、『ブレードランナー2049』は頑なに前作の世界観を踏襲しているところに価値がある。
最近のハリウッド映画にしては珍しいのではないか。
ストーリーに関して付け加えるならば、やはり人造人間を扱っているという点で庵野秀明氏の『新世紀エヴァンゲリオン』が抱えていた生死観、魂の座、人格移植OS,生き残るべき種族の選択というテーマの共通点も垣間見れるのは興味深い。
ただ、更なる続編も匂わせる構成になっているのが気になる。
しかしあの流れで、続編化となると、『猿の惑星』同様に人間対レプリカントのような、在りきたりの階級闘争モノになってしまっては元も子もないのだが。
あと、メインスポンサーがソニーらしく、大きくクレジットが写る。
ソニーで思い出したのは1970年の『謎の円盤UFO』スポンサーもソニーだったな。
だが、中国企業が台頭している現在、斜陽の日本家電企業がなおも『ブレードランナー2049』に大きく寄与している状況が奇妙。
『ブレードランナー』の得意先は今回も、日本メインということなのだろうか?

観賞後、売店でプログラムと留之助ブラスターナノキーフォルダーを購入。
洋画でグッズを買うのは久しぶりな気がする。
外に出ると秋の日差しが。
しかし『ブレードランナー2049』観賞は雨の日がいい。
特に新宿辺りだと映画館から出ても映画の延長上にある錯覚に囚われることで余韻を楽しめる。

オリジナル前作観賞から35年。
それも同じ新宿だ。
だが、かつて20代前半の感受性はすでに失われ、オリジナル前作を観たときのように己の作品に反映させるエネルギーは果たしてあるだろうか?
もはや自分も型落ちした旧型レプリカント同様なのかもしれぬ。
人混みに紛れ、新宿南口へと独り歩みを進め、帰路に就く。



『メアリと魔女の花』を観る

映像鑑賞
07 /13 2017
元ジブリに所属していた米林監督の最新作『メアリと魔女の花』を観る。
スタジオジブリがなくなってしまったので、元スタッフが新たに立ち上げたスタジオが制作している。
なぜジブリが製作部門を閉鎖したのか知らない。宮崎駿監督が「引退」したからと伝え聞くが、「ジブリブランド」の看板を下ろす理由が思い当たらぬ。優秀な人材が拡散するだけで利するものはないのにと素人目には映るのだが。
なぜ、ディズニーのような体制を維持できないのか?
日本コンテンツ産業の地盤の薄さに危惧する。
それはさておき、ジブリブランド亡き後、その正統なる継承作品第一作目がこの『メアリと魔女の花』らしい。
テレビCMなどで予告編を観ると、これまでのジブリ作品のエッセンスをミックスした雰囲気が醸し出されている。
「ジブリブランド」を継承しているのは間違いなさそう。
(これ以降はネタばれ注意)
公開初日の土曜日に観賞。
都外の県庁所在地に位置するシネマコンプレックスで夕方の回。
初日にも拘わらず、なぜか空席が目立つ。
理由は解らず。満席だと思っていたので拍子抜け。
主人公メアリのキャラクターは赤毛でどことなく、高畑勲演出の『赤毛のアン』を髣髴とさせる。
黒猫を従え、箒に乗って空を飛ぶ役柄は『魔女の宅急便』のキキにかなり近い印象。
他にもジブリ作品で「見たことのあるような」場面設定、キャラクター、演出が至る所に見られる。
しかし、やはり従来のジブリ作品とは根本的に違う。
第一印象としては、作画などは確かにジブリの水準を保っており、遜色はなかったが、内容は「ポケモン」や「妖怪ウォッチ」等の子供向けテレビアニメの劇場版といったところ。
更に時事ネタ的なバイアスがかかった演出もあり、やや興ざめする場面も。いつものジブリ作品とは程遠い印象。
宮崎駿氏が東映動画時代からジブリまで継承してきた「冒険活劇」という要素は殆どなかった。
『ポニョ』以降の宮崎ジブリ作品は、老齢ゆえ精彩を欠いて妙な「自己完結」作品で終わってしまった感があったが、それ以前の宮崎アニメは確かに「血沸き肉踊る」冒険活劇ロマンを維持していて期待を裏切らなかった。
だがこの作品には、その真髄がない。
勿論、『メアリと魔女の花』は別人の米林監督作品であるから、宮崎アニメと異なるのは当たり前なことは解っている。
しかしどうしても元ジブリスタッフが手がけていることで、否応にも比較してしまうのだ。
観る者が期待しているのは、ジブリブランドを正統に継承する作品。
だから、米林監督は望む望まずに拘わらず、歌舞伎役者や落語家のようにジブリ一門を受け継ぐ、「2代目宮崎駿」の襲名を背負わされてしまっている。
その観点からすると、庵野秀明氏、新海誠氏等と比べ、不自由な立場にあるのかもしれない。
結局、作品内容的に思い入れて鑑賞する事はなかったのではあるが、妙なことに主人公メアリのニーソックスとスパッツが気になって仕方なかった。
『魔女の宅急便』のキキは黒いワンピースに幼女の履く白い提灯ブルマのようなパンツ姿で味気のないものだったが、メアリは若干大人っぽく描かれているため、その部分が変に「ジブリブランド継承作品」らしからぬ猥雑な印象を発するのだ。
良くも悪くもメアリの「スカートの中」とニーソックスが『メアリと魔女の花』最大の収穫であった。
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『モアナと伝説の海』、『暁斎(きょうさい)展』観賞感想他

映像鑑賞
03 /30 2017
気が付けばもう3月も末。2016年度も終わる。
いつ頃からこの時期がリクリートシーズンなったのか知らぬが、それに関連するCMや広告が巷に溢れていた。
たとえばブラスバンドをバックに会社訪問するCM・・。
あれ位のバンドを雇える財力が親にあれば、縁故でいくらでも就職先が見つけられるんじゃないかと思うのだが。
もっともあれは比喩であって、リクルート活動している女性を応援するという意味での演出なのだろうが、それでもなんか妙に感じた。
あと、少し前に電車のつり革広告で見た新卒者向けに教訓めいたスローガンを記した保険会社(?)の広告コピー。
若いときにたくさん失敗したほうが愛される人間になるとか、社長も最初は会社廻りで面接受けたとか、くすんだ美辞麗句が並んでいた。
だが、若いときに過失致死で何人も殺めた人間が愛されるとは思えないし、将来、社長になるような人材が、平社員同様な会社訪問などしない。
大企業ほどこういう「建前」で新卒者を欺くコピーを並べたがる。
一流企業は大半が縁故や有力者の子息で採用枠は埋まっている訳でCMや広告を信じた「一見さん」みたいな2流大学以下の新卒者など、最初から門前払いなのだろう。
下手に希望を与える広告を打つのは如何なものかと思うが。
希望する一流企業に就職するには親族や親が東大出身で様々な人脈を抱えているとか、最近、よく耳にする「政治家の口利き」がなければほぼ不可能だろう。
これが日本社会の本質であって、秀でた才能や技術を有しない限り、縁故や口利きに縁のない2流以下の大卒者に「終身雇用」の枠は廻ってこないのだ。
だから、まず将来を諦めることから始める。
それが大多数の2流大学以下新卒者の心得とすべきだろう。
決してリクルート関連のCMや広告にだまされてはいけない。

先日、渋谷の東急文化村で開催されている「暁斎(きょうさい)展」を観る。
暁斎に限らず、江戸、明治期の浮世絵には今の漫画の原点を連想させる作品も多かった。
これらは殆どが外国人コレクションによるもの。
つまり、日本本国には暁斎の作品が残っていないということか。
自国クリエーターの価値観を軽んじる国民性は今、現代に至っても変わっていない。
特に浮世絵から漫画に至る系譜周辺の分野においては、それが著しい。
日本の漫画原稿も遅かれ早かれ、海外に流出する日が来るのだろう。
嘆かわしい。
それはさておき、『鬼を蹴り上げる鍾馗』という作品が構図的に面白かったので家に帰って落書きしてみた。
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更にディズニーアニメ新作『モアナと伝説の海』も観賞す。
映像の完成度の高さは圧巻。
圧巻過ぎて感覚が狂う。これが当たり前になると目が肥えすぎて逆に陳腐なほうが新鮮に思えてしまう程。
大洋の夜空なんか、実際見たことがないのに、まるで体験したかのような錯覚に陥るほどのリアリティー。
内容も心打つものがあるが、なぜがディズニー映画はそれがあっという間に昇華してしまい、忘れるのも早い。
心に長く刻まれることがないファンタジー。
これほどのクオリティーの高さなのに、記憶に深く刻まれないというのは、単に自分の加齢のせいなのも知れぬ。
もっともディズニーのような子供向けアニメは単純明快で勧善懲悪が根本であるから、変に心に重く伸し掛かることなく、さらっと流すのが好まれるのだろうし、そういう作り方がスタンダードなのだろう。
因みに『モアナと伝説の海』も前回の『アナと雪の女王』同様に宮崎駿氏やジブリ、東映動画長編アニメを思い起こさせるシーンが多々あった。
船出のシーンとかが何となく『太陽の王子ホルスの大冒険』や『未来少年コナン』を髣髴とさせたのでモアナにラナの衣装を着せた落書きしてみるが、性格も体型も違うのであまり似合わない。
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そんなこんなでもうお花見シーズンである。


『この世界の片隅に』を観る

映像鑑賞
12 /03 2016
先日、アニメ映画『この世界の片隅に』(原作/こうの史代、監督/片淵須直)を観た。
板橋区にあるシネマコンプレックス。休日だったのでほぼ満席。
かなり前から評判だったのでなかなか手ごたえのある作品だった。
原作者の方については、コミティアで自費出版していた位の知識しかなくて、こんな重厚長大な作品を商業誌で連載していたとはまったく知らなかった。
映画のストーリーは呉に嫁いだ一人の女性が淡々と戦時中の銃後の視線から垣間見た作品。
それを克明にアニメーションで再現しており、実際、あの当時、呉にいたら、あのような情景が広がっていたに違いないと感じる。
兵器描写もリアル感があって、この部分だけでも興味深い。
松山の紫電改(一瞬、雷電かと思った)やB-29、大和や重巡洋艦青葉等も克明に描かれている。
戦後70年以上経って、当時の情景がリアルな動画で再現されるというのは妙な気分にもなる。
当時、米軍が撮影した呉空襲のフィルム等は結構残っているが、それをアニメーション映画として再構成という点でも価値ある作品だ。
このクオリティーで本土防空戦のアニメが観てみたい。
昔、自分がコンバットコミック他で連載していたB29が主役の『ジェットストリームミッション』という作品があるが、これを今回の水準並みでアニメ化出来たら・・。
もっともクラウドファンディングで募っても、お金が集まる見込みはなさそう。
まず企画が通らない。
以下の画像は『ジェットストリームミッション』からB29のシーンより。
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それはさておき、劇中で主人公が呉初空襲に遭遇したとき、その光景を見て、絵に残しておきたいほど綺麗な情景だったと感慨にふけるシーンがあった。
たしか徳川夢声の『夢声戦争日記』でも著者が東京大空襲を見て「凄観!、壮観!、美観!」と記してあった事を思い出す。
空襲下では何万人もの人間が焼き殺されているのにも拘わらず、その情景は恐ろしくも美しく映る。
しかし、それが人間として正直な感覚であることを素直に描くことが大切なのだ。
妙なバイアスをかけて悲惨さだけを強調すると、戦争の本質を見失う。
人間がなぜ戦争をするか。
それを問うためには嘘偽りない「現実」を描かねばならない。

戦争を題材とすると、自ずとそこに制作者の意図というものが介在してくる。
すなわち同じ戦争を扱っても描き方によって「反戦」映画にもなるし、逆に「戦意高揚」とか「プロパカンダ」映画にもなりうる。
バイアスをかける意図が強ければ強いほどその作品は胡散臭くなってくる。
そういう意味で『この世界の片隅に』は比較的冷静な側面から戦争を描いている気がする。
その手法が正しいかどうかは観る者それぞれが判断すればよいこと。
絶対的基準など存在しない。
最近はあまり耳にしないが「戦争娯楽映画」というジャンルもあった。
「戦争」と「娯楽」を結びつけると昨今は「不謹慎」と叱咤される向きもあるが、皮肉にも第2次世界大戦体験者が現役だった時代にそんなジャンルの戦争映画が多かったのも事実。
そこにもまた「戦争」の本質を探る鍵がありそうだ。

それにしても今年は、手ごたえある劇場用アニメが多い気がする。
『君の名は。』が宮崎駿的ヒットであれば、『この世界の片隅に』は高畑勲的ヒットといえようか?

最後にツイッターにも上げたが「漫画の手帖」連載コラム『妄言通信』カットイラスト。
妄言通信1612原画a
昭和20年10月、呉湾にてすずさん、海上特攻要員として訓練を受けるの図。
『この世界の片隅に』の世界で、もし昭和20年8月に終戦とならず、陸軍がクーデターを起こし、徹底抗戦となったらこんな情景もありえたのかなと。


あびゅうきょ

漫画家あびゅうきょ
職業/漫画家
ペンネーム/あびゅうきょ
生年月日/19××年12月25日
血液型/O
星座/やぎ座
出身地/東京都
帝京大学法学部卒
徳間書店刊「リュウ」1982年5月号『火山観測所』でデビュー
著書/
大和書房刊『彼女たちのカンプクルッペ』(1987)
講談社刊『快晴旅団』(1989)
日本出版社刊『ジェットストリームミッション』(1995)
幻冬舎刊『晴れた日に絶望が見える』(2003)
幻冬舎刊『あなたの遺産』(2004)
幻冬舎刊『絶望期の終り』(2005)

公式ホームページ
http://www.ne.jp/asahi/abyu/abe/